Non certo a caso si scelse come paesaggio dello sfondo - che dovrebbe indicare la città di Gerusalemme – il familiare dosso del castello di Teglio. Infatti, nell’attualizzare nel tempo e nello spazio la morte di Gesù - intento didascalico di tanti simili dipinti dell’epoca - si intese anche legare il sacrificio salvifico di Cristo alla tragedia della comunità. Si chiese dunque al pittore di riprendere dal vero il castello, simbolo per eccellenza di Teglio, per quanto ormai sbrecciato, a causa della distruzione decretata due anni prima dai Grigioni, ma reso ben riconoscibile nel dipinto dalla torre, che è identica a quella tuttora esistente. Purtroppo tutta la parte inferiore dell’affresco, dove erano raffigurati i diversi personaggi ai piedi della croce, è andata completamente distrutta a causa dell’incuria e dei restauri sbagliati del secolo scorso, che ne hanno accelerato la scomparsa. Resta come testimonianza la testa muliebre, dall’elegante acconciatura rinascimentale e dal volto delicato, ripresa in un disegno dal pittore Pietro Martire Rusconi nel 1836. Potremmo conoscere la scena della crocifissione nella sua integrità, se potessimo ritrovare la copia che l’arciduca Ranieri, viceré del Lombardo-Veneto, in visita a Teglio nel 1835, commissionò allo stesso pittore sondriese, quadro che probabilmente egli portò con sé in Austria.
La scena della crocifissione rientra a pieno titolo tra le varie rappresentazioni del dramma del Calvario che, a partire dal Trecento, si diffusero dall’Italia a tutta Europa, sulla scia di un ricercato “spettacolarismo” pieno di fervore in grado di suscitare nell’astante partecipazione e coinvolgimento emotivo, tema preferito da grandi pittori tra cui Giotto, Pietro Lorenzetti e, in seguito, da Gaudenzio Ferrari e dal Luini.
Pur mancando oggi tutta la fascia riferita ai personaggi ai piedi delle croci, dai pochi elementi deducibili da vecchie fotografie, notiamo che la scena non presentava la ressa concitata di persone, per lo più distratte dalle più disparate incombenze, di tanti dipinti coevi.
L’azione principale si svolge, come del resto naturale, nella parte superiore del dipinto, nel cielo su cui si stagliano le tre croci con i tre condannati. Vi riscontriamo il tema, caro alla pittura lombarda, degli angeli dolenti in volo per raccogliere in coppe d’oro il prezioso sangue della Redenzione e quello delle insegne dispiegate nella tragica atmosfera di kermesse popolare. Tra queste distinguiamo il S. P. Q. R. dei Romani, lo scorpione con il richiamo al tradimento, alla morte e alla malvagità degli Ebrei e la mezza luna riferita al pericolo dei Turchi – allora incombente -, ma anche la luna piena, emblema di perfezione, e il grifone, simbolo della duplice natura di Cristo. Vi si associa però un dettaglio iconografico di matrice nordica, presente in Dürer e in Bosch: il diverso destino delle anime dei ladroni, visibilmente reso. Dal “buon ladrone”, crocifisso alla destra di Gesù, si leva infatti un angelo dalla veste candida in volo verso il paradiso con in braccio l’anima in extremis redenta, mentre, sull’altra croce, un grottesco demonio strappa a viva forza l’anima dannata dalla testa del ladrone, il cui viso, contratto dal dolore, si contorce in un orrido ghigno. Domina, come naturale, la grande croce con il corpo di Gesù composto nella morte, abbandonato sul nudo legno, la ferita sanguinante del costato, il volto sereno, ormai senza segni di sofferenza, rigato dal sangue e gli occhi chiusi del “Tutto è compiuto”. Il cromatismo prevalente è quello caldo e passionale della pittura lombarda, perfettamente reso nelle tonalità intense dell’ocra e dei marroni sanguigni.

Non possiamo non ammirare anche la rinascimentale finezza della decorazione dell’estradosso dell’arcata a ogiva che incornicia la scena, motivo che si ripete anche sull’arco delle pareti ai lati, dove a destra, nel piccolo lacerto di pittura rimasto, si individua San Lorenzo con i poveri “tesoro della Chiesa” davanti all’imperatore Decio, assiso in trono sotto un baldacchino.
Nello sguancio della finestra, tra le poche grottesche rimaste, scorgiamo gli stemmi dei committenti: in alto quello dei Besta e sulla sinistra quello dei Guicciardi.